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domenica 15 febbraio 2015
TOP TEN EMERGING ARTISTS 2014
TOP TEN 2014
EMERGING ARTISTS
1- KARA WALKER, 2- MAYA HAYUC, 3- CARRIE MAE WEEMS, 4-JR, 5-SWOOM, 6-BANKSY, 7-WADE GUYTON, 8-AI WEIWEI, 9-PARKER ITO, 10-MARINA ABRAMOVIC
I worked for 4 of this list
domenica 25 marzo 2012
NICOLA MASTROSERIO BY PIETRO FRANESI
Questo riepilogo non è disponibile.
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giovedì 19 gennaio 2012
" Da Leonardo a Warhol "
" Da Leonardo a Warhol "Ideato e curato da Pietro Franesi e realizzato da SVIZ
12 stazioni espositive
dalla Biblioteca Reale (Autoritratto di Leonardo)
Piazza Castello, 191
alla Galleria Arco (Opera di Andy Warhol)
Piazza Vittorio Veneto 3
Torino
Venerdì 27 gennaio 2012
18:00-24:00
Vi aspettiamo
Sarah Bloomberg
Press&PR
NYBA 2012-2013
http://www.nybiennaleart.org/2012-2013/
Presentazione
Dai disegni rupestri di Altamira a Mario Merz, passando per Paolo Uccello, Van Eyck, Michelangelo, Leonardo, Caravaggio, Velasquez, Cezanne, Picasso, Dalì, Duchamp, tutto questo ci regalerà la mostra di Torino del 27 gennaio.
I grandi artisti che hanno cambiato la storia dell’arte hanno ispirato 12 nuove opere di Sviz.
L'evento sarà di una sola serata
E' il nostro marchio distintivo
L'arte va goduta non consumata
La sua ripetitività e riproducibilità la trasforma in merce funeraria
Preferiamo i party ai funerali
Ho selezionato questo artista per la Biennale di New York
Adoro il suo minimalismo
Pochi segni
Pochi colori
Molte idee
E’ un artista non classificabile, per chi non vede l’arte come un negozio di scarpe
Per i critici classificatori lui potrebbe essere imprigionato nel concettuale
nella pop art
esondando nei graffiti
Per me è solo un giovane talentuoso artista
Mi basta
Avrà il tempo per decidere a quale negozio appartenere o se rimanere libero
Gli auguro la libertà
In questi giorni si fa un gran parlare di kronos e kairos
E’ una delle tante invenzioni dei Curatori di sua maestà Re Market
Per dividere il mondo in belli e brutti
Guarda caso loro
i Curatori
sono kairos
giovani
belli
contemporanei
Con questa mostra desideriamo inventare il kainos
Cos’è?
Venite al Vernissage e lo scoprirete.
Pietro Franesi
Direttore
Biennale di Arte Contemporanea di New York
NYBA 2012-2013
Per info visita
http://contemporaryartevents.blogspot.com/
sabato 14 gennaio 2012
domenica 1 gennaio 2012
GENNARO CILENTO INSTALLAZIONE
Pregasi gli amici di Napoli e Campania di postare sulla loro pagina Facebook
grazie
Sarah Bloomberg
Biennale di arte contemporanea di New York
GENNARO CILENTO
INSTALLAZIONE
" 'Ncapa sempe coppole, 'e piere sempe zuoccole, 'a panza sempe vruoccole, e 'nculo sempe cavece ".
Cara/ amica/ochiedo la tua collaborazione per l'installazione che inaugurerò Giovedì 12 gennaio alle ore 18:00 presso la Galleria Salvatore Serio, Via Oberdan 8, Napoli, Tel 081 5523193
Per cortesia raccogli in un sacchetto della spazzatura il rifiuto secco della stessa giornata e portalo alle 17:00 in Galleria.Sarà esposto nell'installazione.
Il sottotitolo dell'installazione è " I rifiuti di Napoli si rifiutano di essere rifiutati"
Certo della tua collaborazione
Ti aspetto
Gennaro Cilento
Artista
grazie
Sarah Bloomberg
Biennale di arte contemporanea di New York
GENNARO CILENTO
INSTALLAZIONE
" 'Ncapa sempe coppole, 'e piere sempe zuoccole, 'a panza sempe vruoccole, e 'nculo sempe cavece ".
Cara/ amica/ochiedo la tua collaborazione per l'installazione che inaugurerò Giovedì 12 gennaio alle ore 18:00 presso la Galleria Salvatore Serio, Via Oberdan 8, Napoli, Tel 081 5523193
Per cortesia raccogli in un sacchetto della spazzatura il rifiuto secco della stessa giornata e portalo alle 17:00 in Galleria.Sarà esposto nell'installazione.
Il sottotitolo dell'installazione è " I rifiuti di Napoli si rifiutano di essere rifiutati"
Certo della tua collaborazione
Ti aspetto
Gennaro Cilento
Artista
sabato 1 gennaio 2011
Subodh Gupta
Tara Kilachand
Everyone everywhere is mad for Subodh Gupta.
At the Venice Biennale, at Art Basel, at Frieze Art Fair, at Chanel Mobile Art, in Shanghai, Zurich, Paris and New Delhi, the name most readily dropped and sought out is Subodh Gupta (or “Goopta” to those who don’t know or can’t pronounce the shortened “u”). Suddenly, like the limited edition bag that the artist designed for Italian fashion house Fendi, Gupta, a small-town boy from Khagaul, Bihar, has a waiting list.
“Everyone knows who he is in the European art scene,” says Peter Nagy of Nature Morte, New Delhi, which along with Bodhi Art in Mumbai are the two galleries in India that officially represent him.
Nagy is right; everyone does know who he is. Were it possible to quantify the craze, Gupta would be in rarefied company, somewhere next to Anish Kapoor, a few steps behind perhaps but close enough to warrant a cautionary backward glance or two. Sure, M.F. Husain and Tyeb Mehta, Jitish Kallat and Atul Dodiya have stepped across the invisible barrier—breaking records at auctions and popping up at the errant biennale. But none of them has achieved quite so much in so short a time as Gupta.
Gupta’s hotness is a fact not lost on his manager, Flora Boillot, who moved from France to New Delhi two years ago to oversee the affairs of Gupta and his artist wife Bharti Kher. It is Boillot who handles all media requests, coordinates out-of-town gallery visits, makes sure Gupta is on time for his various appointments and that his shipments to shows in San Gimignano and Shanghai are on time and intact.
ALSO SEE
Up, up and away: A look at how Gupta’s auction prices have escalated (Graphic)
And it is Boillot who fields my request for an interview sent via SMS to Gupta’s iPhone in February. “Subodh is busy, Subodh is travelling and Subodh is not available until July,” Boillot tells me. In July, a reminder email gets another Boillot reply, this time granting the interview but with an addendum—“the interview cannot exceed 30 minutes”. She also stipulates that I hand in a release form that essentially confirms I will not use the images or information in an untoward manner (like, say, in setting up a Where in the World is Subodh blog).
Release forms and French managers are not generally the purview of artists, especially artists in India, so by the time I arrive at Gupta’s studio, in the dusty construction pit that is Gurgaon, I had built in my mind the myth of Subodh Gupta— the Damien Hirst of Delhi—who from 2005 to 2008 saw his auction prices increase 52 times.
How a boy from Bihar, with zero interest in doing what most of his village did (i.e. work for the railways), managed to become India’s No. 1 Artist is nothing short of wondrous: a fairy tale with a requisite cast of greedy gallerists, ambitious curators, a savvy wife and one bespectacled man from small-town India.
He is in every sense a product of the new Indian market, where marketing and image-building, and self-promotion are not only expected but encouraged and praised. Having worked exceedingly carefully to control output and place his works in the most high-profile collections and shows, Gupta, in that sense and perhaps that sense alone, has warranted the comparison with Hirst, a master showman in his own right.
If Gupta, 44, knows he is a much traded commodity, identifiable by last name alone despite the two or three other Guptas peppering the Indian art scene, he isn’t showing it. Mild mannered, and even a little homely, he lacks the polished smugness of a man who has just been signed to the art world juggernaut, Hauser & Wirth, a Zurich-based gallery at par with Gagosian and Saatchi, which incidentally will also feature him in a group exhibit next year.
Told that he is a difficult man to meet, Gupta demurs. “It’s not like that,” he apologizes, before sitting down on a sagging couch in a plain-walled studio cluttered with unfinished canvases and a cabinet full of Gupta’s coffee-table catalogues.
He is happy to chat beyond our allotted time (keeping representatives from a London gallery waiting), talking about his childhood, his friends, his children, his art, especially his art. But he refuses to discuss his relationship with Kher. “Why you want to go into my private life?” he asks irritably.
Those who see the two together acknowledge that Kher, born and raised in England, has been a key influence in Gupta’s life, sandpapering the rough edges, cleverly directing where they would show, and like Gupta, realizing with steely ambition that they are destined for bigger things.
“Both him and Bharti have been very savvy. ” Nagy says. “There was a period when not much was happening, and Subodh and Bharti were very generous of their time. They had lots of people over for dinners to foster a sense of community.”
“Nothing comes easy,” Gupta shrugs. “And it will never happen, it never happened with anyone unless you keep doing it and doing it.”
“Doing it” is Gupta’s way of saying he slogged, back-breakingly, until he got what he wanted. That is, in fact, the one quality that everyone remarks on: His unflinching resolve to work; to put paint to canvas and steel to wall; to meet and travel even when nobody wanted his works, when sitting in a solo booth at the Armory show in New York, dealer Pierre Huber had to beg clients to buy a Gupta.
On one of his very first visits outside India, Gupta was manic about experiencing everything he could. He was fascinated by the art, the museums, the magnetic pull of a hundred creative minds working in a thousand different ways. “I’ve been with him in Europe, and he’s running around looking at contemporary art museums, participating in an international language in form and material,” says Nagy, who first encountered Gupta as the winner of an emerging artist award sponsored by New York’s Bose Pacia Gallery in the late 1990s. “Nobody’s working harder in India than Subodh Gupta.”
Now a father of two children—a son and daughter—Gupta has slowed down. Still, in recent months, he has made several jaunts across the globe: to Hong Kong for the Chanel Mobile Art show, Switzerland for Art Basel, Italy for a solo in San Gimignano and England to support Kher’s exhibition. “Art is a long journey. So I’ve been working for 8-10 years almost for European galleries and at that time nobody in India knew about it,” he says.
While still in college, Gupta took it upon himself to orchestrate a meeting with Russi Mody, then the Tata Steel chairman, who was known to foster young talent. “What I’m trying to tell you, it’s not easy for one boy from art school to go meet Russi Mody like this, no? So it took me one year almost to meet him like this. Three months I was just preparing myself, who is this guy, how will I meet him?”
On the strength of his works and Mody’s patronage, Gupta approached various galleries, eventually scraping together enough money to move to Delhi. He arrived with 15 friends from Bihar and stayed at a guest house at the Lalit Kala Akademi. Like most migrants from small town India to the Capital, Gupta was enamoured of everything and everyone he came across. As a student in Bihar, he had belonged to an acting troupe and was thrilled to discover that in Delhi, unfettered by cultural boundaries, he could mingle with artists, actors and dancers.
“In 1986, the Kala Mela used to happen. Kala Mela for us was like oh god Basel Art fair. Like Venice Biennale,” Gupta recalls excitedly. “Oh my God, we see the Husain today, we see the Ram Kumar, we see Souza and we see Swaminathan. We go mad, these are the fathers and masters of contemporary art in front of you. So we used to go crazy and we used to go ‘Sir, please autograph’.”
How Gupta made the leap from Delhi to Paris, London, New York and Shanghai in the span of a few short years is a little incredible, even by the standards of the frenetic hypermarket of the new art world. “We’re not used to in Europe an artist going from nothing to what happened with Subodh,” says Huber, the influential Geneva art dealer, who was the first international gallerist to sign him on. “To make a work from $12,000 (around Rs5 lakh) to $1million, it’s very strange. This never happened, in my mind.”
It was Huber, in fact, who first propelled Gupta to prominence, if such a feat can be attributed to any single person. Huber is a powerful dealer in Switzerland, whose gallery, Art & Public, has amassed over the years a weighty roster, including Sol LeWitt and Robert Barry. In the late 1990s, Huber spotted Gupta’s works at a group show in Italy and spied in them something different—something he had seen in American and Chinese artists much before either contingent became appealing to European collectors. He invited Gupta to display one of his installations at the Armory show in New York in 2002, and paid for his air ticket and expenses. “Nobody was impressed, nobody was looking at the work,” Huber says, so he called a friend of his and asked him to buy his work for the now paltry sum of $12,000 (which was around Rs5.76 lakh back then).
Huber strategically placed Gupta in a series of art fairs and biennales, careful to show his installations and only a few oils. At Frieze in 2005, Gupta displayed his steel cabinet installation, which evoked minor excitement and managed to push its creator from the periphery on to the radar.
At Art Basel in 2006, Gupta showed yet again, after initially being rejected by the selection committee. This time, the work was an installation of airport trolleys, his first exploration of immigrant traffic and labour. The response was instant. “Everyone was talking about it,” Huber says.
Soon Gupta, through Huber, was on contract with Jack Shainman Gallery in New York, and began experimenting with the kind of large-scale installations that would eventually culminate in Very Hungry God—a clattering, shiny, menacing skull, compiled in precarious manner with buckets, tiffin boxes and other steel objects—displayed outside Palazzo Grassi in Venice in 2006, and bought by French billionaire Francois Pinault.
That proved to be the key. In the last couple of years, Gupta has been in the news repeatedly: first for breaking the $500,000 mark at Christie’s and Sotheby’s, then crossing the $1 million mark. Then, he was placed in the elite post-war contemporary auctions along with Hirst and Kapoor, and collected by Louis Vuitton Moet Hennessey (LVMH) honcho Bernard Arnault, British billionaire Frank Cohen, Indian collector Anupam Poddar and other powerful connoisseurs. The final cherry came by way of a ranking as one of three Indians on ArtReview’s list of the 100 most powerful people in the art world. He was invited to tony charity events such as Bono’s (RED) auction, and feted on the international circuit by American socialites and European collectors, all of whom couldn’t get enough of “Goopta”.
Still, Gupta was restless, forever on the Sisyphean task of trying to outdo what he had done before. “Whatever I was making at that time, I feel like I was serving someone. And what I’m making right now, I feel like I’m doing something my own. That changed and that doesn’t come that easy,” Gupta notes of his transition from painting to installation. “Like I said, visual art takes time. It took me four years to reach somewhere to change, and in between I made so much not good art. When you lose something and become empty, something new comes out.”
The new was what most people today associate with Gupta. Large, photo-realist oils of rope-bundled luggage on taxis, of faceless bodies pushing airport trolleys, hard, sharp installations that use mundane objects in arresting display, videos featuring a naked Gupta showering himself with cowdung.
“Subodh belongs to this very small community of artists who are very free and pushed, led by a kind of vision of what’s art,” says curator Fabrice Bousteau, who invited Gupta to show at the Chanel Mobile Art earlier this year, and will again work with him in 2010 for a group show.
For Gupta, this vision came from his childhood, from his days spent in a vast joint family, playing with cousins, watching his housewife mother craft small objects and clothes, and attending theatre shows put up by the local Bengali community. Plundering the vast array of objects at his disposal, he began appropriating childhood knick-knacks in ingenious fashion. One of his very first installations, 29 Mornings, was a composite of 29 wooden stools, or patlas, which Gupta remembers sitting on to eat his breakfast, lunch and dinner.
“Seventy per cent of the population is poor people, or lower middle class or upper middle class. We still use, even in my home, utensils day-to-day for our food. So it’s such a common material. And that is India, 80% of country, no?” he says. “So, in that kind of atmosphere, when you are growing up you are going past many kinds of activities, ritual ceremonies and somehow even if you don’t practise right now, subconsciously you can’t forget what’s happened. And today, I’m lucky that those things helped me to create my artwork. So this is very important for me, and that’s how things happen.”
Unlike so many of his peers, Gupta was astute in packaging his “Indianness”—he managed to draw in local collectors with opaque references to a changing India, but beguiled Western tastes with his flawless execution, and bundled-up exoticism.
“Firstly, they are beautiful, and secondly, because they glorify and beautify quotidian Indian culture, I find that the work responds to a particular fusion of ideas that appeals to me,” says Cohen, who featured Gupta’s work in his Passage to India show at his gallery in Wolverhampton, England earlier this year.
That mishmash of seemingly disparate worlds was essentially Gupta, still inherently a boy from Bihar but with some of the savvy of a jet-setting artist who could take hot pink chimtas (tongs) and hang them in pompom-like configuration. Those who have known him for years say that Gupta is still the same, ambitious undoubtedly as he’s always been, and with more polish, but with the same quiet courtesies of a small-town boy.
Indeed, at the start of their respective careers, Gupta and Kher were generous with their time and money (of which they had little), hosting dinners, inviting artists, and curators, helping to foster a sense of community when Indian contemporary art was derided as a quaint by-product of post-colonial angst. Even as they grew in stature, Gupta hung on to his roots, helping organize an exhibition for young Bihari artists in 2007, and keeping in touch with galleries he later outgrew. “He has moved on in life,” says Renu Modi, owner of Gallery Espace that was among the first to give him a solo show in 1992. “But he has never stepped on to other people’s shoulders to step up.”
Through the course of our interview, Gupta is meticulous about giving due, crediting a list of people, including art collector O.P. Jain, Modi, his cohort of Bihari colleagues, whom he declines to name, his parents, who let him shift to Delhi though they were disappointed in his career choice, and a scattering of other people who helped him along the way.
He still speaks in accented English, unapologetic when he trips up on French names, and only sheepish when asked about his participation in Chanel Mobile Art—a travelling show sponsored by the fashion house that invited an eclectic group of artists to interpret the Chanel bag—and designing a bag for Fendi, which he says he did because the money would go to charity. “What kind of serious art I will produce for that?” he says of the Chanel project. The curator Bousteau was a friend, so Gupta agreed, but on his own terms, cheerfully subverting the idea of a posh bag into a video of people carrying thailas and gatharis. “This is Chanel bag for me, no?”
This is Gupta’s flair, to take the homely and make it beautiful—an obvious aim for any artist but, in an age of cow dung-strewn paintings and dead animals, not necessarily a qualifier for a work of art. Under Gupta’s direction, even the most humble objects, the bartan (utensils), the pot, the tiffin box become shinier, prettier, better. Immortalized in oil, they shine with a brilliance that lifts them from their lowly position on the still life scale.
With a clutch of high-profile collectors and a trail of gallerists eager to sign him up, Gupta has had to grapple with the surreal mathematics of pricing. From 2005 to 2008, his prices at auction for an oil painting increased from $23,126 to $1.4million—a 5,000% increase.
Gupta’s primary market prices hover between $350,000 and $1 million for the larger installations. And though even Huber concedes that Gupta’s prices have jumped by exorbitant proportions in the last few years, he asserts that the pricing is in keeping with the artist’s stature. “He’s the No. 1 contemporary artist in India. Why does he have to be cheaper than the No. 1 contemporary artist in China or the US?”
Still, there have been allegations of price manipulation, a practice in which a gallery will put up a work for auction and then buy it back at a high price, thereby justifying a precedent for exorbitant prices not always in keeping with quality. In a Mint article on the Indian art market (Picture is looking less perfect for Indian art), art critics and experts named Gupta and Kher’s works in connection with inflated pricing. However, auction houses and galleries denied having any hand in the practice.
Gupta is unruffled because in spite of or despite him, prices will continue to increase, as they have for Indian contemporary artists across the board. His solo at Hauser & Wirth next year will further brighten his spectre, and it is not farfetched to think that in a few years Gupta, if prudent, will find himself in prominent museum collections.
“This is my job,” he says. “What is an artist’s job? My job is to think about art. And I do that all the time, thinking. Even while sleeping, I’m thinking about my artwork.”
The Timeline
1964: Born 2 January in Khagaul, Bihar
1988: Moves to Delhi, to study at Lalit Kala Akademi
1989: Meets Russi Mody of Tata Steel, who sponsors his exhibit in Jamshedpur in 1990
1992: Solo show with Gallery Espace; meets his wife Bharti in New Delhi
1996: Moves from oils to installations with ‘29 Mornings’
1997: Wins Bose Pacia emerging artist award in New York
2000: Exhibits with Nature Morte for the first time at Lokayata, New Delhi
2002: Pierre Huber takes him to the Armory Show in New York
2005: Shows at Frieze Art Fair in London
2006: Shows at Art Basel, after first being rejected by the committee
2007: Is placed in a contemporary sale, as part of a selection from the Pierre Huber Collection
2008: Becomes youngest Indian artist to enter million-dollar club when ‘Saat Samundar Paar 10’ sells at a Christie’s auction for $1.2 million
2009: Solo show with Hauser and Wirth; part of a group show of Indian art at Saatchi
sabato 20 febbraio 2010
SIBUSISIO DURA
dove sei?
Nelson Mandela
la speranza
l'arte quando colora con l'emozione , l'entusiasmo, l'allegria, l'energia positiva può anche morire
fenice africana
pietro franesi
WAINE BARKER
le parole si imbaloccano con i colori
nasce una nuova lingua
intraducibile con la voce ma comprensibile con gli occhi
ed il cervello gode di questo scontro
WAYNE BARKER
Cercherò di andare oltre
che cosa?
è presto per dirlo
pietro franesi
KAI HASSAN
Sto scoprendo nuovi linguaggi non solo artistici
E' ancora presto ma la luna è bianca ed il sole è rosso e giallo, il mare ti sbatte in faccia la rabbia dei popoli che vivono a testa in giù coi pesci e le piante.
KAI HASSAN
E' una bella prova, se la vinceremo farò una grande festa e gli regalerò una pianta che parla
Pietro Franesi
martedì 16 febbraio 2010
Il mercato dell'arte contemporanea
Suspended Animation
by Economist
Il mercato dell'arte ha risentito della recessione, ma la globalizzazione dovrebbe aiutarlo a
recuperare, dicono Fiammetta Rocco (intervistato qui) e Sarah Thornton. Il momento di maggiore
rialzo in un secolo di storia per il mercato dell'arte è finito con un evento eccezionale la vendita di
56 opere di Damien Hirst, "Beautiful Inside My Head Forever ", a Sotheby a Londra il 15 settembre
2008 (vedi foto). Furono venduti tutti tranne due pezzi, recuperando più di 70 milioni di sterline, un
record per la vendita di un singolo artista. E 'stato un ultimo evviva. Quando il banditore annunciò
le offerte, in una delle più antiche banche a New York, a Wall Street, Lehman Brothers, ha
presentato istanza di fallimento.
Il mercato mondiale dell'arte aveva già perso un pò di slancio dopo il vertiginoso aumento iniziato
nel 2003. Al suo apice nel 2007 ha raggiunto un valore di circa 65 miliardi di dollari, calcola Clare
McAndrew fondatore della società di ricerca Arts Economics, cifra raddoppiata rispetto a cinque
anni prima. Da quel momento può essere calata a $ 50 miliardi. Ma il mercato genera interesse ben
oltre la sua dimensione perché riunisce insieme in un’unica via una grande ricchezza, grande
autostima, avidità, passione e polemiche come poche altre industrie.
Nelle settimane e nei mesi che seguirono la vendita di Hirst, ogni tipo di spesa divenne
profondamente fuori moda, in particolare a New York, dove il bail-out (operazione di salvataggio)
delle banche coincise con la perdita di migliaia di posti di lavoro e il tracollo finanziario di molti
investitori d’arte. Nel mondo dell'arte i collezionisti medi rimasero lontani dalle gallerie e dalle sale
d’asta. Le vendite d’arte contemporanea hanno avuto un ribasso di due terzi, e nel settore più caldo
- l’arte contemporanea cinese- hanno avuto un ribasso quasi del 90% nel novembre dell’anno 2008.
In poche settimane le due più grandi casa d’asta del mondo, Sotheby e Christie, hanno dovuto
pagare quasi 200 milioni di dollari in garanzie ai clienti che vi avevano riposto le opere per la
vendita.
L'attuale flessione economica del mercato dell'arte è il peggiore, da quando i giapponesi hanno
smesso di comprare gli Impressionisti, alla fine del 1989, una mossa che ha dato inizio alla più
grave contrazione del mercato dopo la seconda guerra mondiale. Questa volta gli esperti stimano
che i prezzi sono in media il 40% circa in meno rispetto al loro picco, anche se alcuni sono stati
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molto più soggetti a oscillazioni. Ma Edward Dolman, capo-esecutivo della Christie, afferma:
"Sono abbastanza sicuro che abbiamo toccato il fondo."
Ciò che rende questo crollo diverso dall’ ultimo, dice, è che ci sono ancora acquirenti sul mercato,
mentre nei primi anni ‘90, quando i tassi di interesse erano alti, non vi era alcuna domanda anche se
molti collezionisti volevano vendere. Nel primo semestre del 2009 i ricavi della Christie erano
ancora superiori rispetto alla prima metà del 2006. Quasi tutti coloro che sono stati intervistati per
questo report hanno detto che il problema principale in questo momento non è una mancanza di
domanda, ma la mancanza di buone opere da vendere. Le tre “D” –morte, debito e divorziorimettono
ancora le opere d'arte nel mercato. Ma chiunque non ha necessità di vendere si tiene
lontano, in attesa del momento più favorevole.
La cosa migliore che si può dire al momento per il mercato è che stia trattenendo il respiro. Ma
questo report sostiene che si riprenderà e che la chiave della sua ripresa sta nella globalizzazione.
La fornitura delle migliori opere d'arte sarà sempre limitata, ma a lungo termine la domanda è
destinata a salire dal momento che la ricchezza si sta diffondendo sempre più in tutto il mondo.
Il World Wealth Report, di Capgemini e Merrill Lynch, ha pubblicato la classifica delle abitudini di
spesa dei ricchi di tutto il mondo. Essa comprende l'arte come una serie di articoli di lusso che a
loro piace comprare. Secondo il report, nel 2007 ci sono stati oltre 10 milioni di persone con un
patrimonio di 1 milione di dollari o più da investire. L'anno scorso questo numero è sceso a 8,6
milioni e molte persone ricche hanno ridimensionato il loro “Investments of passion”— yacht, aerei,
automobili, gioielli e così via. Ma la percentuale di tutte le spese di lusso che è andata all’arte è
aumentata perchè gli investitori cercavano attività che avrebbero mantenuto il loro valore a lungo
termine.
La diffusione geografica degli acquirenti è anche cambiata notevolmente poichè alcune parti del
mondo, sono diventate relativamente più ricche. Durante il boom il numero delle persone ricche in
Russia, India, Cina e Medio Oriente è aumentato rapidamente. Nel 2003 i maggiori compratori della
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Sotheby, quelli che hanno acquistato opere che costano almeno $ 500.000, provenivano da 36 paesi.
Nel 2007 si erano diffusi su 58 paesi e il loro numero complessivo era triplicato.
Il trend verso l’alto è ancora in corso, e molti dei nuovi acquirenti hanno un particolare interesse per
l'arte contemporanea del proprio paese. L'anno scorso la Cina ha superato la Francia come il terzo
più grande mercato mondiale dell'arte, dopo l'America e la Gran Bretagna (vedi tabella 1), e circa il
25% del valore di 100.000 e più opere d’arte, sono state vendute da Christie ad acquirenti
provenienti dalla Russia, l'Asia e il Medio Oriente.
I record d’asta sono ancora dominati dalle opere Moderne e Impressioniste (vedi tabella 2), ma la
più grande espansione negli ultimi anni è stata nell’arte contemporanea. Quando ci sono più persone
che hanno soldi da spendere, i prezzi delle opere più antiche continuano a salire, ma poche di tali
opere sono disponibili, in quanto sia i collezionisti che i musei tendono a tenersi quello che hanno.
Dipinti antichi, per esempio, hanno bloccato circa il 5% delle vendite di Sotheby e Christie per
molti anni. Al contrario l’arte contemporanea, che nei primi anni 1990 rappresentava meno del 10%
dei ricavi di Sotheby, è cresciuto notevolmente l’anno scorso di quasi il 30% dei ricavi. Mercanti e
case d'asta adesso vendono più opere post-belliche e d’arte contemporanea di ogni altra cosa.
Questo report si concentra su tale parte del mercato, che rappresenta circa la metà del commercio
mondiale dell'arte e la maggior parte dell’entusiasmo.
Parte di tale richiesta aggiuntiva proviene da un forte aumento del numero di musei. Nel corso degli
ultimi 25 anni né sono stati costruiti più di 100, non solo in America ed Europa, ma anche negli
sceiccati del golfo Persico e nelle città asiatiche in rapida crescita, a volte in collaborazione con le
istituzioni dell’Occidente, come il Guggenheim o il Louvre, e a volte per conto proprio. Molti di
questi istituti hanno avuto successo con l'acquisto di arte contemporanea.
Nello stesso periodo anche il numero dei ricchi collezionisti privati è aumentato più volte, e così la
loro diversità. Il prezzo record per una delle facce giganti di Andy Warhol del presidente Mao è
stato di $ 17.4 milioni, pagati da Joseph Lau, un costruttore edile di Hong Kong. E 'stato il primo
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importante Warhol ad andare nell'Estremo Oriente. Un mese più tardi la famiglia reale del Qatar ha
acquistato una “pill cabinet” di Hirst, dal titolo "Lullaby Spring", per € 9,7 milioni, il primo grande
Hirst destinato al Medio Oriente. Tutti vogliono un’opera rappresentativa, ciò aiuta a comprendere
la richiesta globale di artisti come Warhol, Jeff Koons e Hirst e i prezzi da “capogiro” che tale opera
possa meritare.
Masters of the Universe arte
All’interno di tutte le aree del mercato dell'arte vi è un gruppo di individui che sono emersi come le
figure chiave del mondo dell'arte negli ultimi anni. Primo fra loro è François Pinault, un raffinato
benestante miliardario che è anche un noto collezionista di arte contemporanea e il proprietario di
Christie. Philippe Ségalot, il suo consulente francese, è stato dietro a uno dei contratti più grandi
che coinvolgono una singola opera d’arte, la vendita privata del quadro "Otto Elvises " del 1963 di
Warhol, ad un acquirente anonimo per oltre 100 milioni di dollari.
Si crede che Ségalot abbia anche consigliato la famiglia reale del Qatar, che negli ultimi due anni
ha speso ingenti somme per acquistare all'asta opere d’ arte moderna, compresi opere aldilà di ogni
record di Mark Rothko e di Hirst. Steven Cohen, un miliardario americano, possiede anche opere di
Warhol, di Hirst e di Koons. Cohen era un’azionista rilevante di Sotheby, ed è ancora un fornitore
importante di liquidità per gli acquirenti d'arte.
La popolarità di mostre d'arte cinematografica e l'emergere di acquirenti con una storia culturale
diversa hanno contribuito a cambiare i gusti. Artisti come Edvard Munch e Vasily Kandinsky hanno
acquistato rapidamente valore dopo mostre personali a Londra e New York. Alexej von Jawlensky e
Emil Nolde sono stati considerati come interessi da specialisti finchè i collezionisti russi iniziarono
a ricercarli. Zhao Wuji era solamente un altro pittore cinese in esilio, ora è riconosciuto come un
maestro dell’espressionista astratto influenzato da Paul Klee e lodato da Joan Miró e Pablo Picasso.
Come vendere l’arte
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Uno dei maggiori cambiamenti dall’ultimo picco del mercato raggiunto nel 1989 è stato
l'espansione delle case d'asta e il cambiamento nella natura dell’attività dei mercanti d’arte. Venti
anni fa le case d'asta vendevano ai mercanti, e gli stessi rivendevano ai clienti privati. Oggi molti
collezionisti sono stati consigliati dalle case d'asta, a comprare sia all’asta che privatamente.
L’aumento dei costi ha comportato problemi a molti empori vecchio stile che commerciavano nelle
belle arti A Londra, Christopher Gibbs ha venduto le sue azioni e Partridge è in fallimento. A
Parigi, Galerie Segoura ha chiuso, come Salvatore Romano a Firenze. Molti mercanti d’arte adesso
preferiscono trattare le opere d'arte su commissione, facendo come intermediario tra venditori e
acquirenti, piuttosto che spendere denaro comprando grandi quantità di opere d’arte.
Circa la metà del business, calcola la Sig.ra McAndrew del “Arts Economics”, è condotto in aste
pubbliche, con Christie e Sotheby facendo la parte del leone.
Case d’asta più piccole sono Drouot a Parigi, Bonhams, che ha la sede a Londra, ma diversi uffici
all'estero, e Doyle a New York. L'altra metà è condotta da parte dei mercanti privati e gallerie che
sono notoriamente riservate. Uno degli affari più grossi privati degli ultimi anni è venuto alla luce
solo perché i dettagli sono stati rivelati in un tribunale americano a seguito dello scandalo di
Bernard Madoff. Nel luglio scorso dieci dipinti di Rothko e due sculture di Alberto Giacometti sono
stati venduti da un finanziere di New York per aiutare a rimborsare gli investitori di Madoff. Il
misterioso acquirente ha speso $ 310 milioni sulle opere. Due mercanti hanno guadagnato $ 37,5
milioni come percentuale.
Dal confronto con quel mondo privato, il business delle aste di Sotheby e Christie si presenta come
un modello di trasparenza. Benché gli acquirenti e i venditori sono raramente nominati, il prezzo
d'asta è pubblico. Eppure anche qui ci sono lati oscuri. Le case d’asta leader offrono incentivi, come
ad esempio prezzi garantiti, per convincere i venditori a rinunciare ai loro tesori, e termini di
pagamento generosi per gli acquirenti.
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Una cosa che differenzia le due case d'asta è la loro struttura proprietaria. Sotheby è una società
quotata in borsa mentre Christie, una volta quotata in borsa, è stata resa privata nel 1999 dal suo
attuale proprietario, il signor Pinault. Il business di Christie da allora è aumentato enormemente,
anche grazie a Pinault punto cardine nel mondo dell'arte internazionale. Anche se l'impresa può
scegliere quali informazioni vuole rivelare, è di fatto diventata più aperta negli ultimi dieci anni.
Sotheby, da parte sua, è ancora scottata dalla sconfitta pubblica in America di quasi un decennio fa,
quando il suo presidente, Alfred Taubman, e il suo amministratore delegato, Diana Brooks, sono
stati giudicati colpevoli d’ aver cospirato con Christie a truccare le commissioni. Taubman scontò
dieci mesi di un anno di pena detentiva; alla signora Brooks le sono stati dati sei mesi d’arresto
domiciliari, un’ammenda di $ 350.000 e 1.000 ore di servizio sociale. Nessuno è stato accusato alla
Christie, che aveva denunciato pubblicamente la manipolazione delle commissioni. Sotheby vive
nella paura delle autorità di regolamentazione e comunica quante più informazioni finanziarie può.
Nel decennio successivo lo scandalo, entrambe le case d'asta si sono concentrate su l’espansione.
Sotheby è stata la prima casa d'asta ad interessarsi alla Russia e rimane la più grande rispetto al suo
rivale là. Christie, che è stata a lungo particolarmente forte in Estremo Oriente, ha fatto un grande
sforzo in Cina. Gli stranieri non sono autorizzati a proprie case d'asta lì, ma Christie ha aggirato
questo ostacolo attraverso la firma di un contratto di licenza con una principale casa d’asta cinese.
Entrambe le case volgono il loro sguardo sul Medio Oriente. Christie tiene regolari aste a Dubai, le
cui vendite della sua arte e della sua gioielleria hanno il maggior successo. Sotheby ha aperto un
ufficio in Qatar che è importante per il suo rapporto con la famiglia reale del Qatar, uno dei suoi più
grandi clienti.
La risposta di entrambe le case d'asta alla crisi attuale è stata molto simile: tagli del personale,
congedo non retribuito, riduzione sugli stipendi, marketing e budget per i viaggi tagliati, e un
decreto secondo cui i cataloghi d'asta stampati su carta patinata, la cui produzione durante il boom
costava 25 milioni di sterline l’uno all'anno, non dovevano più essere distribuiti come cioccolatini.
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Con una base di clienti internazionali enormemente ampliata, è stata solo una questione di tempo
prima che entrambe le case d'asta iniziassero a imporsi in aree che erano precedentemente state
riserve dei concessionari privati, collegando acquirenti e venditori e vendendo arte nuova, piuttosto
che opere che erano già state nel mercato. Sotheby si è dimostrato molto più spietato dei due. Tutti i
pezzi della vendita nel Settembre 2008 di Hirst, per esempio, erano stati consegnati alla Sotheby
direttamente dal laboratorio dell'artista, ciò ha scioccato i mercanti che non avevano
precedentemente pensato alle case d'asta come competitors diretti.
Nel 2006 Sotheby ha pagato $ 56.5 milioni per Noortman Master Paintings, uno dei principali
rivenditori in Old Masters. Meno di un anno dopo, Christie ha acquistato Haunch of Venison, un
altro rivenditore di alto profilo istituito nel 2002, tra i cui fondatori c’era un ex direttore del
dipartimento d’arte contemporanea di Christie. Noortman ha dato a Sotheby la possibilità d’entrare
nella Maastricht Art Fair, importante festival dei mercanti d’arte, e Haunch of Venison hanno
contribuito a rendere il Pinault di Christie il più grande commerciante d'arte nel mercato. Entrambe
le gallerie funzionano indipendentemente dalle case d'asta, ma i rapporti sono stretti.
Tutto a tutti
Entrambe le case d'asta hanno anche messo molto impegno nella consulenza degli acquirenti su
come migliorare le loro collezioni. Come Jussi Pylkkänen, il Presidente europeo della Christie, dice
"Siamo molto più di una casa d'asta ora." La recessione ha reso molti collezionisti paurosi d’offrire i
loro tesori all’asta, di conseguenza li stanno vendendo privatamente. Nel 2007 Christie ha
conseguito vendite private per $542 milioni e Sotheby per $ 730 milioni, il che significa che le due
case d'asta ora sono tra i più grandi rivenditori privati del mondo. Entrambi spesso ricevono
richieste, come Sotheby ha recentemente ricevuto, da un collezionista di Mosca, con 2 milioni di
dollari da spendere per un "ottimista" olio Chagall, non "troppo femminile" e non più di un metro
d’altezza. "Abbiamo sparso la voce e subito abbiamo ricevuto diverse offerte da i nostri uffici a
Londra, Ginevra e New York ", spiega Michail Kamenskij, capo d’azienda della CIS.
Nel 2007 le offerte private rappresentavano 8,7% del business di Christie. Pylkkänen si aspetta di
aumentare fino al 20% le sue entrate, entro tre anni. Ciò dovrebbe scoraggiare i rivenditori privati.
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